Para este módulo he explorado la herramienta Learning Synths de Ableton, que explica de forma interactiva cómo funcionan los sintetizadores y permite ir modificando parámetros mientras escuchas el resultado en tiempo real.

Lo más llamativo es que con unos pocos controles el sonido cambia muchísimo. Moviendo las formas de onda el sonido puede volverse más metálico, más suave, más parecido a una pulsación o más continuo. Cambiando otros parámetros se hace más agudo o más grave, más rápido o más lento, con más eco o más seco. Son cambios que reconoces enseguida porque los has escuchado mil veces en canciones, pero nunca te habías parado a pensar que detrás hay alguien que ha movido exactamente esos controles para conseguirlo.

El theremin no me ha funcionado, pero de las herramientas que he podido probar, Learning Synths es la que más me ha enganchado precisamente porque es muy visual e intuitiva. No hace falta saber nada de música para entender qué está pasando, simplemente pruebas y escuchas.

En general este mundo del sonido sintético me resulta curioso porque es la otra cara de todo lo que escucho habitualmente. Detrás de muchos sonidos que doy por sentados en la música hay decisiones muy concretas sobre forma, frecuencia y textura que hasta ahora eran completamente invisibles para mí.

El primer sonido pertenece a un folio agitado, como se puede observar genera un espectro continuo. Como el papel es un objeto ligero produce frecuencias altas. Al ser una vibración «manual» del aire es un sonido inarmonico.

Este segundo sonido son golpes a una caja de cartón. Es el sonido de un impacto por eso el espectro no se muestra continuo pero si constante. Al ser golpes tiene una subida rápida y se extingue a la misma velocidad.  No es un sonido envolvente porque casi en el mismo instante que se produce el golpe, desaparece. El sonido se encuentra mayoritariamente en frecuencias medias y bajas. Es un sonido inarmonico.

En esta tercera prueba son golpes a una pata de mesa  metálica. Por segunda vez es un sonido de impacto pero la extinción es un poco más larga ya que al ser metálico sigue vibrando un poco después del golpe. Como el sonido se mantiene un poco más es un sonido casi armónico debido a las vibraciones que casi se sobreponen. Esta compuesto por frecuencias agudas. Es un sonido con más resonancia que los anteriores.

Tras leer el texto de Lluís Nacenta y  los materiales de Arnau Horta, he confirmado que mi desconcierto inicial con el término «arte sonoro» es parte de su propia naturaleza. Como explica Nacenta, el arte sonoro es un «concepto bastardo» que nace del cruce entre la música y el arte contemporáneo. Se sitúa en un «lugar incómodo» y permite que ocurran cosas que en un concierto tradicional serían impensables porque ofrece un «espacio de excepción» frente a las exigencias del público.

Me ha gustado  la idea de que el arte contemporáneo funciona como una «investigación fundamental sobre el establecimiento de sentido», de forma parecida a como los científicos estudian la física de partículas porque me ha recordado a otras asignaturas donde también se contempla un símil entre la investigación artística y la científica.

Un ejemplo  es John Cage. Aunque él se consideraba músico , la tradición europea no concibe su obra como música, en cambio, en el arte contemporáneo es un clásico.

En el texto  también se advierte sobre el riesgo de querer darle al sonido una materialidad que no tiene para que encaje en los museos. Aunque la música es solo una «vibración del aire» , el arte sonoro a veces se ve forzado a ser una «pieza única». Frente a la tentación de una «escucha pura» el autor defiende una «escucha bastarda, compleja e intrínsecamente impura».

Inspirada por esta idea de la «escucha impura», mi propuesta artística no iría sobre el silencio, sino sobre el ruido. Como gran consumidora de directos y festivales, se me ocurre una exploración de todo ese sonido que «ensucia» la música pero que es parte inseparable de la experiencia:

• El zumbido de los amplificadores antes de que empiece el show.

• Ruidos guturales performaticos dentro de la propia prentacion
• El sonido del publico, andando, hablando, creando una atmósfera paralela.
• La distorsión que hace que no entiendas la letra, pero que sientas la vibración en el pecho.

Sería una instalación que ponga en cuestión los códigos sonoros habituales, centrando la atención en lo que normalmente descartamos como «molestia» o simplemente integramos en la normalidad para convertirlo en el mensaje principal.

Veo que esta asignatura me puede ayudar a explorar la otra parte de la musica, lo que le acompaña y en ocasiones se califica como incómodo.