Soy Inmaculada Sánchez Macías, profesora de Educación Plástica en la Facultad de Educación de Segovia. El concepto de «cabeza de puente» constituye un marco teórico y táctico fundamental para comprender la transición de mis gustos personales hacia la formalización de estrategias didácticas en la educación superior. En el ámbito de las artes plásticas, esta noción sugiere un avance estratégico hacia territorios inicialmente ajenos o desconocidos, donde el Arte Sonoro surge como una frontera fértil para la experimentación sensorial y conceptual
Mi interés por las estructuras sonoras de bandas como Rammstein proporciona una puerta de entrada para explorar la relación entre el sonido y la materia física… La conexión más evidente se establece con Einstürzende Neubauten, una agrupación que personifica la música industrial en su acepción más literal y radical. En lugar de limitarse a la instrumentación convencional, artistas como Blixa Bargeld y N.U. Unruh emplearon sierras, palas, taladros eléctricos y martillos neumáticos para extraer texturas acústicas de los materiales. El tránsito de la materialidad industrial hacia la exploración del cuerpo humano como territorio sonoro se manifiesta nítidamente en mi interés por artistas como Björk.
La conexión fundamental en el ámbito del Arte Sonoro para esta estética se halla en la obra de Meredith Monk. Monk es una pionera en la técnica vocal extendida y en la creación de obras interdisciplinarias que fusionan música, danza, teatro e instalaciones visuales.
La música inglesa de los años ochenta, representada por figuras como Annie Lennox y Eurythmics, introduce la dimensión de la sofisticación tecnológica y la construcción de la identidad visual a través del sonido. El auge del synth-pop no fue solo una tendencia comercial, sino una revolución estética facilitada por la democratización de la tecnología de los sintetizadores, que permitió a una nueva generación de artistas crear paisajes sonoros electrónicos sin necesidad de una orquesta tradicional.
La integración de paseos sonoros (soundwalks) en la didáctica de la plástica permite al alumnado universitario redescubrir el campus de Segovia desde una perspectiva multisensorial. Esta práctica encuentra un eco contemporáneo en la música de Lana Del Rey, cuya obra es frecuentemente descrita como cinematográfica y evocadora de paisajes geográficos y temporales específicos. Lana Del Rey utiliza el sonido para construir una narrativa de nostalgia y lugar, creando atmósferas envolventes que trascienden la estructura de la canción pop convencional.
El concepto de «paisaje sonoro» (soundscape), acuñado por R. Murray Schafer, es la piedra angular de esta estrategia didáctica. Schafer propone que el entorno acústico no es solo ruido de fondo, sino una construcción cultural que merece ser estudiada y preservada.
El interés por la grandiosidad y el espacio que caracteriza a bandas como Muse introduce una dimensión arquitectónica en el Arte Sonoro. Muse utiliza la tecnología y la escala épica para crear experiencias que desafían la percepción del espacio convencional del concierto. Esta búsqueda de la inmensidad sonora tiene su paralelo en el Arte Sonoro en las obras de pioneros como Max Neuhaus y Bernhard Leitner.
El Campus de Segovia de la Universidad de Valladolid se levanta sobre un solar del siglo XVIII. Su arquitectura actual, diseñada por Ricardo Sánchez y José Ignacio Linazasoro, presenta un exterior que emula los libros de una gran biblioteca, mientras que su interior se organiza como un ágora para el intercambio de conocimiento. Esta estructura física proporciona un entorno acústico único para la experimentación.
Para garantizar que estas experiencias sensoriales sean de la máxima calidad, el auditorio del campus cuenta con sistemas de sonido de alta precisión, como los de la compañía española DAS Audio, configurados para adaptar el eje de máxima radiación al espacio y minimizar cancelaciones acústicas. Esta infraestructura técnica permite al alumnado percibir el sonido con una claridad que resalta la «quintaesencia» de los materiales audibles, desde el aire hasta el éter.

Bibliografía
1. Radical Connections: Meredith Monk and Björk – New Music USA, https://newmusicusa.org/nmbx/radical-connections-meredith-
monk-and-bjork/
2. Eurythmics: Synth-Pop Icons Unveiled (1980-2024) – YouTube, https://www.youtube.com/watch?v=SeyqKrENPbY
3. Lana del Rey Cardiff – soundchecked songs so far : r/lanadelrey – Reddit, https://www.reddit.com/r/lanadelrey/comments/1lhss2o/lana_del_rey_cardiff_soundchecked_songs_so_far/
4. (PDF) El paisaje sonoro como Arte Sonoro – ResearchGate, https://www.researchgate.net/publication/339163817_El_paisaje_sonoro_como_Arte_Sonoro

He aquí la primera entrada en este viaje que comienza alrededor del sonido.

Ante todo presentarme. Me llamo Carlos Escribano, estudio el grado de arte en la UOC desde el año 2021. Sí, me lo tomo con tranquilidad. a mis 59 años me gusta disfrutar lentamente de las cosas y aprovechar lo máximo posible todas las asignaturas, también hay que decirlo mis hobbies y el trabajo se llevan su tiempo.

Todos tenemos experiencia con el sonido, al fin y al cabo es un elemento que nos envuelve en todos los ámbitos de la vida, aunque la mayoría de las veces no seamos conscientes de ello.

Nunca he escrito música, ni diseñado o fabricado ningún instrumento sonoro, mi mayor acercamiento ha sido utilizar sonidos y música de otros en alguno de mis videos o presentaciones., como el que dejo abajo.

En cuanto a artistas u obras de referencia en el arte sonoro, hasta empezar este taller no conocía más que músicos, Brian Eno por citar alguno me encantaba por las cualidades atmosféricas con las que dotaba a su obra.

Pero ya he empezado a investigar y he descubierto algunas, para mí al menos, «joyas» como:

Toshiys Tsunoda que trabaja con grabaciones de campo, la web soinumapa.net donde se plantea realizar un mapa con los sonidos de Euskadi o proyectoidis.org que nos propone una historiografía del diseño de imagen y sonido.

Aunque abrumado por la gran cantidad de documentación proporcionada por la cátedra, recorreré el camino hacia el arte sonoro con mucha ilusión y trabajo.

Un saludo.

Carlos.

Inicio esta asignatura con una expectativa muy clara: dejar de moverme únicamente desde la intuición y el juego para comenzar a construir una relación más consciente, técnica y fundamentada con el sonido. Hasta ahora, mi experiencia en este ámbito ha carecido de formación teórica y técnica. No provengo del campo musical ni he trabajado el sonido desde herramientas profesionales. Mi aproximación ha sido completamente experimental, casi doméstica: ensayo, error y curiosidad.

Desde la poesía he explorado el juego con la voz como materia maleable: su ritmo, su respiración, su fragilidad y su capacidad de transformarse en cuerpo. He trabajado con mi propia voz como material plástico, utilizando un pedal vocal Boss VE-20 para generar reverberaciones, ecos, desdoblamientos y pequeñas distorsiones. Me interesa ese punto en el que la voz se desestabiliza y deja de ser únicamente vehículo de significado para convertirse en materia, en textura. Sin embargo, todo este trabajo ha surgido desde la experimentación intuitiva, sin un conocimiento profundo de los procesos de grabación, edición, espacialización o composición sonora.

Mi relación con la música también ha sido más afectiva que académica. Me atraen las músicas que tensan el lenguaje, que trabajan la repetición o que convierten la voz en territorio. Me interesa especialmente la dimensión casi física de la voz en Camarón de la Isla, y en particular en El niño perdido, donde el cante se vuelve herida y trance. O Enrique Morente y su álbum Omega, por la manera en que hibrida flamenco, poesía y ruido, y por su capacidad de romper estructuras sin perder intensidad expresiva. Esa fricción entre tradición, experimentación y palabra me resulta especialmente sugerente.

En el ámbito del arte sonoro, me interesan artistas que trabajan el sonido como espacio y experiencia corporal. Janet Cardiff me atrae por la forma en que convierte la escucha en desplazamiento físico y narrativo, y por su manera de fragmentar la voz en el espacio. También Christina Kubisch, por su investigación sobre lo invisible y la escucha de campos electromagnéticos, ampliando la idea de qué puede considerarse sonido. Y el trabajo de Tony Oursler, por la relación entre voz, proyección y cuerpo fragmentado.

Lo que más me atrae del arte sonoro es su carácter rizomático. Es un lenguaje que no se organiza necesariamente de forma lineal ni jerárquica. La posibilidad de pensar el sonido como arquitectura invisible que modifica la percepción del espacio, su dimensión escultórica: cómo una vibración puede convertirse en volumen y cómo un espacio puede pensarse desde lo que suena y no solo desde lo que se ve.

Mis expectativas respecto a la asignatura son, sobre todo, adquirir herramientas. Herramientas técnicas, pero también herramientas conceptuales que me permitan situar mi práctica dentro de una genealogía y comprender qué estoy haciendo cuando manipulo una voz o construyo un paisaje sonoro. Me apetece muchísimo incorporar el sonido a mi trabajo de un modo más legítimo y sólido, no solo como intuición o complemento, sino como lenguaje autónomo.

Siento que hasta ahora he jugado. Y quiero seguir jugando, pero con conciencia. Este taller lo entiendo como el paso necesario para que ese juego se convierta en práctica.

Enlaces de referencia:

Camarón de la Isla
El niño perdido (YouTube):
https://www.youtube.com/watch?v=J8YpWz6z7JQ

Enrique Morente – Omega (1996)
Pequeño Vals Vienés (YouTube):
https://www.youtube.com/watch?v=D9VixUcNIeY

Janet Cardiff
Sitio oficial:
https://www.cardiffmiller.com
The Forty Part Motet (Tate):
https://www.tate.org.uk/art/artworks/cardiff-the-forty-part-motet-t12664

Christina Kubisch
Sitio oficial:
https://www.christinakubisch.de
Proyecto Electrical Walks:
https://www.christinakubisch.de/electrical-walks.html

Tony Oursler
Sitio oficial:
https://tonyoursler.com